How Inside skupia międzynarodową kolekcję sztuki współczesnej do wyświetlenia

Stało się tak za sprawą greckiej artystki Janis Rava, z którą pracowała nad kilkoma projektami artystycznymi. Poradziłem Giorgosowi Karnavasowi, aby się ze mną skontaktował. Pamiętam, jak przeczytałem propozycję w niedzielę wieczorem o drugiej w nocy i od razu zdałem sobie sprawę, jak niezwykła była to okazja. W kolejnych rozmowach z Giorgosem i Vasilisem kontakt był natychmiastowy. Do projektu dołączyłam w grudniu 2020 roku, czyli zaledwie cztery i pół miesiąca przed rozpoczęciem zdjęć.

W mojej pracy skupiłem się na wyborze dzieł sztuki, które budują osobowość kolekcjonera. Jednocześnie chcieliśmy, aby grupa stworzyła podteksty z odniesień, które pasowałyby do stanu fizycznego i psychicznego naszego bohatera. Zacząłem od scenariusza i szeregu prawdziwych odniesień, takich jak domy kolekcjonerów, które odwiedziłem w ciągu ostatnich lat.

Ważne było, aby prace pasowały organicznie do oszałamiającego zespołu, który Vassilis wyobraził sobie ze scenografem Thorstenem Sabelem. Z każdym z 25 zaproszonych artystów – lub ich posiadłościami – odbył się pogłębiony dialog na temat sposobu prezentacji prac na planie i ich roli w strukturze narracyjnej filmu. Łącznie w filmie znalazło się 38 prac reprezentujących różne media, w tym malarstwo, rzeźbę, malarstwo, fotografię i wideo.

Dzieło sztuki, którego celem był złodziej, musiało zostać zidentyfikowane i pochodzić od znanego mistrza. Zasugerowała prace Egona Schiele, artysty, którego Vassilis pierwotnie wyobrażał sobie jako część grupy i którego udręczone postacie mogą odnosić się do fizyczności bohatera.

W oryginale były też dwie inne prace: „I Can’t Make You Love Me”, dwuekranowa instalacja wideo serbskiej artystki Bredy Beban oraz „Wiosna” greckiego artysty Stefanosa Rokosa. Pepan był wpływowym nauczycielem sztuki na uniwersytecie, na którym studiował Vassilis. Jej twórczość była również spójna z moim podejściem kuratorskim, ponieważ mówi o niemożliwości spotkania, separacji, izolacji. Obraz Rokosa został zamówiony do filmu jako obraz kompleksu z silnymi odniesieniami seksualnymi, tak jak chciał Vassilis [the owner’s] Sypialnia reprezentująca jego sekretne obsesje i przyjemności.

Niektóre są oryginalne, ale inne, ponieważ musiały zostać zniszczone lub uszkodzone podczas kręcenia, często są wykonane przez samych artystów. Na przykład Maurizio Cattelan i Luc Tuymans przysłali nam prace prosto ze swoich pracowni. Mamy też oryginalne dzieła sztuki, takie jak „The Moth” lub „Czy rozpoznajesz, że istnieją tęcze, nawet jeśli jest noc!?” Petrit Hallelaj, pomarańcze w „Noches en los jardines de España” Álvaro Urbano i „Neon” Davida Hurvitza. Oczywiste jest, że prace te muszą być wykonane z materiałów, które pozwolą na jakiekolwiek uszkodzenia, aby można je było łatwo naprawić lub wymienić lub być spójne z konceptualnym podejściem artysty i stać się częścią życia samego dzieła jako ślad po swoją obecność w kolekcji. Po ukończeniu filmu niektóre kopie prac zostały zwrócone artystom, inne zostały po prostu zniszczone, a my udokumentowaliśmy proces zgodnie z ustaleniami artystów.

Od początku wyobrażałam sobie, że kuratorzy potraktują film jak prawdziwą wystawę, eksplorując generatywny potencjał spotkania sztuki współczesnej z kinem. Dlatego, mimo napiętego harmonogramu produkcji, zaproponowała zlecenie sześciu prac do filmu. Należą do nich wykwintne akwarele Francesco Clemente; rzeźby autorstwa Petrita Hallaja, Ryana Tabeta i Alvaro Urbano; portret kolekcjonerski Albrechta Fuchsa; I wspomniany już obraz autorstwa Stephanosa Rokosa. Interesuje mnie myśl, że te prace będą teraz istnieć na świecie, że zostaną pokazane, że historia filmu zostanie przeniesiona do różnych kontekstów.

Prywatna kolekcja sztuki jest zawsze bezpośrednim wyrazem ludzi, którzy ją stworzyli. Ujawnia ich osobowość, pasje, miłości, spotkania i często obsesje. Wyobrażanie sobie tej grupy było jak nadawanie kształtu niewidzialnemu przeciwnikowi, którego obecność stała się namacalna dzięki sztuce. Pomysł polegał na tym, aby jego kolekcja wyrażała kulturalny i wyrafinowany gust, łącząc zainteresowanie sztuką abstrakcyjną z pracami o silnych motywach politycznych. Jednak penthouse musiał też pokazywać jakąś przechwałkę bogactwa, co w trakcie filmu wywołuje gniew bohatera.

Polska artystka Joanna Piotrowska w swoich „szalonych” obrazach prosiła przyjaciół i znajomych z całego świata o zbudowanie schronów w ich domach z ich osobistych przedmiotów i mebli. Prace odzwierciedlają to, co Vassilis ostatecznie wyobraził sobie budując Nemo w szopie.

Seria odzwierciedla sposób, w jaki odnosimy się do lokalnego środowiska w poszukiwaniu przestrzeni dla ochrony i bezpieczeństwa, które często jest tak samo kruche i niepewne jak schronienie, które Nemo buduje w filmie. Myślę, że wszyscy renegocjowaliśmy relacje z naszymi domami podczas pandemii, zdając sobie sprawę, że mogą one być zarówno sanktuarium, jak i więzieniem, a to doświadczenie bardzo współgra z niektórymi podstawowymi koncepcjami filmu.